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gabrielvince87

21 de setembro: 47 anos de Unleashed in the East.

Eu sustento a tese de que o Heavy Metal nasceu de verdade no Judas Priest.

Com toda licença ao Black Sabbath, ao Deep Purple, ao Rainbow e ao Led Zeppelin, ainda faltava ao estilo se emancipar do Blues (chore, Lobão) e da psicodelia sessentista.

Não que o Blues e a psicodelia tenham desaparecido. Eles apenas passaram a ocupar um lugar secundário dentro de uma estrutura que privilegiava riffs mais rápidos, palhetadas mecânicas e precisas, palm muting, agudos e harmonias melódicas de guitarra.

Há, para mim, uma necessidade imperativa de que o Heavy Metal seja barulhento, ruidoso, repetitivo e mecânico e, se possível, com pouco swing.

A substituição do swing pela marcha é o que, de maneira distintiva, define o Heavy Metal.

Os músicos cresceram cercados por fábricas metalúrgicas, prensas hidráulicas, ruído incessante e concreto. Todo esse cenário industrial, quase pós-apocalíptico, precisava ser traduzido de alguma maneira em música.

Eu vejo o Heavy Metal como uma espécie de folk industrial, que utiliza a distorção para traduzir um ambiente fabril.

É o Judas Priest que transforma, de verdade, a seção rítmica em uma espécie de pistão hidráulico. As guitarras distorcidas, por sua vez, parecem ser solidárias ao chiado do vapor, ao atrito das engrenagens e ao zumbido dos motores elétricos dos ambientes industriais que cercaram a formação dos músicos.

As próprias letras do Priest ajudaram a estabelecer aquilo que se tornaria um dos padrões do Heavy Metal: uma fantasia escapista, dionisíaca e épica, construída em uma linguagem distópica. Uma obsessão pela velocidade, pelo fim do mundo, por máquinas trituradoras, vingadores messiânicos, ditadores, guerras, patriotismo e estética homoerótica.

Se eu pudesse ser mais específico e criterioso, diria que o Heavy Metal nasceu quando o Judas Priest foi para o Japão.

O ponto inaugural, de fato, para mim, é Unleashed in the East, de 1979, pois o álbum pegou todas essas características que já existiam na banda, juntou-as à energia de um show ao vivo e pôs fim às mixagens mais contidas e abafadas.

Músicas favoritas: Exciter, Sinner, Victim of Changes e Genocide.

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Set 21

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21 de setembro: 47 anos de Unleashed in the East.

Eu sustento a tese de que o Heavy Metal nasceu de verdade no Judas Priest.

Com toda licença ao Black Sabbath, ao Deep Purple, ao Rainbow e ao Led Zeppelin, ainda faltava ao estilo se emancipar do Blues (chore, Lobão) e da psicodelia sessentista.

Não que o Blues e a psicodelia tenham desaparecido. Eles apenas passaram a ocupar um lugar secundário dentro de uma estrutura que privilegiava riffs mais rápidos, palhetadas mecânicas e precisas, palm muting, agudos e harmonias melódicas de guitarra.

Há, para mim, uma necessidade imperativa de que o Heavy Metal seja barulhento, ruidoso, repetitivo e mecânico e, se possível, com pouco swing.

A substituição do swing pela marcha é o que, de maneira distintiva, define o Heavy Metal.

Os músicos cresceram cercados por fábricas metalúrgicas, prensas hidráulicas, ruído incessante e concreto. Todo esse cenário industrial, quase pós-apocalíptico, precisava ser traduzido de alguma maneira em música.

Eu vejo o Heavy Metal como uma espécie de folk industrial, que utiliza a distorção para traduzir um ambiente fabril.

É o Judas Priest que transforma, de verdade, a seção rítmica em uma espécie de pistão hidráulico. As guitarras distorcidas, por sua vez, parecem ser solidárias ao chiado do vapor, ao atrito das engrenagens e ao zumbido dos motores elétricos dos ambientes industriais que cercaram a formação dos músicos.

As próprias letras do Priest ajudaram a estabelecer aquilo que se tornaria um dos padrões do Heavy Metal: uma fantasia escapista, dionisíaca e épica, construída em uma linguagem distópica. Uma obsessão pela velocidade, pelo fim do mundo, por máquinas trituradoras, vingadores messiânicos, ditadores, guerras, patriotismo e estética homoerótica.

Se eu pudesse ser mais específico e criterioso, diria que o Heavy Metal nasceu quando o Judas Priest foi para o Japão.

O ponto inaugural, de fato, para mim, é Unleashed in the East, de 1979, pois o álbum pegou todas essas características que já existiam na banda, juntou-as à energia de um show ao vivo e pôs fim às mixagens mais contidas e abafadas.

Músicas favoritas: Exciter, Sinner, Victim of Changes e Genocide.

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gabrielvince87

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gabrielvince87

COM UM ANO DE ATRASO, assisti a PLUR1BUS, a última série de Vince Gilligan.

A série começa quando um sinal vindo do espaço traz à Terra um vírus extraterrestre capaz de conectar quase toda a humanidade a uma única mente coletiva. As pessoas passam a compartilhar pensamentos, memórias e habilidades, enquanto violência, preconceito e conflitos desaparecem.

O preço dessa harmonia é a perda da individualidade. A humanidade finalmente alcança uma unidade quase perfeita, mas ao custo de deixar de ser formada por indivíduos distintos.

PLUR1BUS me parece um manifesto bastante pertinente em defesa da ideia “ocidental” de indivíduo. Não necessariamente do indivíduo como algo perfeito ou desejável em todos os seus aspectos, mas justamente do indivíduo em suas contradições, conflitos, defeitos, preconceitos, contingências, acidentes e, especialmente, diferenças.

Talvez essa série encontre um estímulo especial em um momento em que vemos a disputa geopolítica entre Ocidente e Oriente se desenhar também em uma arena cultural, encabeçada principalmente por Estados Unidos e China.

Eu não quero resumir o Ocidente como individualista e o Oriente como coletivista.

No entanto, essa ideia de dissolução das fronteiras entre o indivíduo e o todo me parece particularmente próxima de certas “tradições orientais”, nas quais a distinção entre o “eu” e o “outro” pode ser relativizada ou mesmo dissolvida em favor de uma compreensão mais integrada da existência.

Em PLUR1BUS, porém, essa dissolução das fronteiras entre o indivíduo e o todo serve justamente para questionar se a existência de indivíduos distintos não seria uma necessidade fundamental do próprio ser.

Existe algo francamente ayn-randiano nessa série.

Não sou adepto da filosofia de Ayn Rand. Vejo nela um certo radicalismo tirânico e corrosivo na maneira como absolutiza o indivíduo atomizado.

Ainda assim, acho importante preservar a ideia de indivíduo como uma conquista civilizacional, que tem na soteriologia cristã uma de suas raízes fundamentais.

Pra mim, o desejo de pertencimento deve estar harmonizado com o desejo de agência individual.

De qualquer forma, PLUR1BUS é o fruto mais legal de Ayn Rand desde Rush.

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Set 18

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COM UM ANO DE ATRASO, assisti a PLUR1BUS, a última série de Vince Gilligan.

A série começa quando um sinal vindo do espaço traz à Terra um vírus extraterrestre capaz de conectar quase toda a humanidade a uma única mente coletiva. As pessoas passam a compartilhar pensamentos, memórias e habilidades, enquanto violência, preconceito e conflitos desaparecem.

O preço dessa harmonia é a perda da individualidade. A humanidade finalmente alcança uma unidade quase perfeita, mas ao custo de deixar de ser formada por indivíduos distintos.

PLUR1BUS me parece um manifesto bastante pertinente em defesa da ideia “ocidental” de indivíduo. Não necessariamente do indivíduo como algo perfeito ou desejável em todos os seus aspectos, mas justamente do indivíduo em suas contradições, conflitos, defeitos, preconceitos, contingências, acidentes e, especialmente, diferenças.

Talvez essa série encontre um estímulo especial em um momento em que vemos a disputa geopolítica entre Ocidente e Oriente se desenhar também em uma arena cultural, encabeçada principalmente por Estados Unidos e China.

Eu não quero resumir o Ocidente como individualista e o Oriente como coletivista.

No entanto, essa ideia de dissolução das fronteiras entre o indivíduo e o todo me parece particularmente próxima de certas “tradições orientais”, nas quais a distinção entre o “eu” e o “outro” pode ser relativizada ou mesmo dissolvida em favor de uma compreensão mais integrada da existência.

Em PLUR1BUS, porém, essa dissolução das fronteiras entre o indivíduo e o todo serve justamente para questionar se a existência de indivíduos distintos não seria uma necessidade fundamental do próprio ser.

Existe algo francamente ayn-randiano nessa série.

Não sou adepto da filosofia de Ayn Rand. Vejo nela um certo radicalismo tirânico e corrosivo na maneira como absolutiza o indivíduo atomizado.

Ainda assim, acho importante preservar a ideia de indivíduo como uma conquista civilizacional, que tem na soteriologia cristã uma de suas raízes fundamentais.

Pra mim, o desejo de pertencimento deve estar harmonizado com o desejo de agência individual.

De qualquer forma, PLUR1BUS é o fruto mais legal de Ayn Rand desde Rush.

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gabrielvince87

Há algo particularmente perturbador na ideia de perdermos a nossa própria percepção da realidade, de sermos, de alguma maneira, “possuídos” por ideias que já não reconhecemos como nossas.

É a partir dessa premissa que William Friedkin, diretor de O Exorcista, constrói Bug, uma das obras mais injustamente subestimadas do horror psicológico.

O filme acompanha a relação entre duas pessoas fragilizadas que, pouco a pouco, começam a construir uma realidade própria, compartilhada apenas por elas.

O filme trabalha com a dinâmica da folie à deux, ou “delírio a dois”, situação em que uma crença delirante pode ser compartilhada por pessoas emocionalmente próximas.

Existe uma semelhança perturbadora entre a folie à deux e a possessão.

A paranoia de um dos personagens começa, aos poucos, a “possuir” o outro.

Na verdade, um encontra alguém disposto a acreditar nele, enquanto o outro encontra alguém que precisa que ele acredite.

A partir daí, os dois deixam de ser apenas companheiros e passam a funcionar como um circuito fechado, no qual a realidade de um depende da confirmação do outro.

Não existe mais, portanto, um possuidor e um possuído. Os dois são as duas coisas ao mesmo tempo.

William Friedkin parece entender muito de possessão.

Ele seria uma ótima pessoa para fazer também um filme sobre “possessão algorítmica” nas redes sociais. Dependendo de quem você começa a seguir e com quem passa a interagir, aos poucos o algoritmo vai construindo uma realidade ao seu redor, até que você começa a ser alguém que não era.

Mais aqui:
https://tavernadolugarnenhum.substack.com/p/o-melhor-horror-de-possessao-de-william

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Set 16

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Há algo particularmente perturbador na ideia de perdermos a nossa própria percepção da realidade, de sermos, de alguma maneira, “possuídos” por ideias que já não reconhecemos como nossas.

É a partir dessa premissa que William Friedkin, diretor de O Exorcista, constrói Bug, uma das obras mais injustamente subestimadas do horror psicológico.

O filme acompanha a relação entre duas pessoas fragilizadas que, pouco a pouco, começam a construir uma realidade própria, compartilhada apenas por elas.

O filme trabalha com a dinâmica da folie à deux, ou “delírio a dois”, situação em que uma crença delirante pode ser compartilhada por pessoas emocionalmente próximas.

Existe uma semelhança perturbadora entre a folie à deux e a possessão.

A paranoia de um dos personagens começa, aos poucos, a “possuir” o outro.

Na verdade, um encontra alguém disposto a acreditar nele, enquanto o outro encontra alguém que precisa que ele acredite.

A partir daí, os dois deixam de ser apenas companheiros e passam a funcionar como um circuito fechado, no qual a realidade de um depende da confirmação do outro.

Não existe mais, portanto, um possuidor e um possuído. Os dois são as duas coisas ao mesmo tempo.

William Friedkin parece entender muito de possessão.

Ele seria uma ótima pessoa para fazer também um filme sobre “possessão algorítmica” nas redes sociais. Dependendo de quem você começa a seguir e com quem passa a interagir, aos poucos o algoritmo vai construindo uma realidade ao seu redor, até que você começa a ser alguém que não era.

Mais aqui:
https://tavernadolugarnenhum.substack.com/p/o-melhor-horror-de-possessao-de-william

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gabrielvince87

Fui assistir ao filme "Segredo do Lago Mungo" esperando medo e me deparei com um filme que articula, com estranha delicadeza sombria, o luto, o isolamento e a dolorosa impossibilidade de conhecermos plenamente o outro, mesmo quando esse outro é alguém que amamos e está próximo.

A história gira em torno do afogamento acidental de Alice Palmer, uma adolescente de dezesseis anos, em uma represa no interior da Austrália. Dias depois de seu enterro, sua família começa a presenciar acontecimentos estranhos dentro e ao redor da casa. Fotografias e vídeos caseiros, registrados pela própria família, parecem revelar, ao fundo das imagens, uma figura que se assemelha a Alice.

Num segundo momento, a família começa a descobrir que a filha que acreditava conhecer guardava uma série de segredos. Alice mantinha relações com vizinhos adultos e frequentava festas sem o conhecimento dos pais.

"Segredo do Lago Mungo", nesse sentido, parece muito com "Twin Peaks". Ambas as obras partem da morte de uma jovem, com sobrenome "Palmer", aparentemente perfeita, cuja ausência desencadeia uma investigação que dissolve a fachada de normalidade construída ao seu redor.

Existe uma refinada metáfora na maneira como o filme estimula os espectadores a examinar fotografias granuladas, vídeos de baixa resolução e imagens aparentemente banais, percorrendo cada canto do quadro em busca de alguma coisa que possa ter passado despercebida. Existe sempre a sensação de que algo está ali desde o princípio, silencioso e imóvel, esperando apenas o momento em que finalmente será percebido, tal como a própria verdade.

Além disso, há uma das características que mais admiro em "Lake Mungo": o filme nunca sucumbe à tentação do espetáculo.

A figura espectral de Alice não é monstruosa, nem deliberadamente ameaçadora. Ela surge discretamente nos cantos dos cômodos, nos quintais, nos reflexos e nas margens da imagem, quase como alguém que não deseja interromper o mundo dos vivos.

Em vida, Alice existia parcialmente à margem daqueles que a cercavam. Depois da morte, seu fantasma parece continuar ocupando esse mesmo lugar.

Achei tudo isso estranhamente bonito e delicado.

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Set 14

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Fui assistir ao filme "Segredo do Lago Mungo" esperando medo e me deparei com um filme que articula, com estranha delicadeza sombria, o luto, o isolamento e a dolorosa impossibilidade de conhecermos plenamente o outro, mesmo quando esse outro é alguém que amamos e está próximo.

A história gira em torno do afogamento acidental de Alice Palmer, uma adolescente de dezesseis anos, em uma represa no interior da Austrália. Dias depois de seu enterro, sua família começa a presenciar acontecimentos estranhos dentro e ao redor da casa. Fotografias e vídeos caseiros, registrados pela própria família, parecem revelar, ao fundo das imagens, uma figura que se assemelha a Alice.

Num segundo momento, a família começa a descobrir que a filha que acreditava conhecer guardava uma série de segredos. Alice mantinha relações com vizinhos adultos e frequentava festas sem o conhecimento dos pais.

"Segredo do Lago Mungo", nesse sentido, parece muito com "Twin Peaks". Ambas as obras partem da morte de uma jovem, com sobrenome "Palmer", aparentemente perfeita, cuja ausência desencadeia uma investigação que dissolve a fachada de normalidade construída ao seu redor.

Existe uma refinada metáfora na maneira como o filme estimula os espectadores a examinar fotografias granuladas, vídeos de baixa resolução e imagens aparentemente banais, percorrendo cada canto do quadro em busca de alguma coisa que possa ter passado despercebida. Existe sempre a sensação de que algo está ali desde o princípio, silencioso e imóvel, esperando apenas o momento em que finalmente será percebido, tal como a própria verdade.

Além disso, há uma das características que mais admiro em "Lake Mungo": o filme nunca sucumbe à tentação do espetáculo.

A figura espectral de Alice não é monstruosa, nem deliberadamente ameaçadora. Ela surge discretamente nos cantos dos cômodos, nos quintais, nos reflexos e nas margens da imagem, quase como alguém que não deseja interromper o mundo dos vivos.

Em vida, Alice existia parcialmente à margem daqueles que a cercavam. Depois da morte, seu fantasma parece continuar ocupando esse mesmo lugar.

Achei tudo isso estranhamente bonito e delicado.

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gabrielvince87

Adorei a polêmica gerada no último post (no Facebook, não aqui). Não li todas as objeções, mas sei que elas existiram. Então quero gerar outra: o expressionismo abstrato foi, em grande medida, promovido pela CIA como parte de um esforço para divulgar a imagem dos Estados Unidos como uma nação livre e criativa, em oposição ao realismo socialista soviético.

Obviamente, isso não significa que todo artista tivesse consciência disso. Havia muita sinceridade artística envolvida.

Isso, porém, não anula o impacto de iniciativas como o Congress for Cultural Freedom, nem o patrocínio de revistas, festivais e grandes exposições itinerantes de arte moderna pela Europa.

Inclusive o patrocínio de bons intelectuais que vocês associam à esquerda, especialmente intelectuais anarquistas.

E não quero dizer, com isso, que eu não goste do expressionismo abstrato ou de todo esse caldo cultural que acabou sendo patrocinado.

Se não fosse a promoção desse tipo de arte, talvez não tivéssemos a Pennsylvania Academy of the Fine Arts nos anos 1960 e, por consequência, talvez não tivéssemos David Lynch.

Então é correto dizer que Pink Floyd, David Lynch e Jackson Pollock são, de alguma maneira, frutos indiretos da CIA? Sim. E daí?

Eles tinham consciência disso? Provavelmente não.

Roger Waters, por exemplo, realmente acredita ser algum tipo de dissidente até hoje. Eu não o julgo. Acho até bonitinho.

O ponto é não se iludir.

Existe uma importância enorme em não romantizar os próprios gostos e em não transformar automaticamente aquilo de que gostamos em algo maior, mais puro ou mais autêntico do que ele realmente é. Muitas vezes, existe ali simplesmente uma necessidade de pertencimento e de construção de identidade cultural.

E isso é importante, inclusive, para conseguirmos olhar para essas manifestações artísticas alternativas e enxergar verdades nelas. Mesmo que, às vezes, seja necessário concordar com a CIA.

O expressionismo abstrato é, de fato, uma boa resposta àquela iconografia tosca do realismo socialista (quem não gosta, está errado).

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Set 13

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Adorei a polêmica gerada no último post (no Facebook, não aqui). Não li todas as objeções, mas sei que elas existiram. Então quero gerar outra: o expressionismo abstrato foi, em grande medida, promovido pela CIA como parte de um esforço para divulgar a imagem dos Estados Unidos como uma nação livre e criativa, em oposição ao realismo socialista soviético.

Obviamente, isso não significa que todo artista tivesse consciência disso. Havia muita sinceridade artística envolvida.

Isso, porém, não anula o impacto de iniciativas como o Congress for Cultural Freedom, nem o patrocínio de revistas, festivais e grandes exposições itinerantes de arte moderna pela Europa.

Inclusive o patrocínio de bons intelectuais que vocês associam à esquerda, especialmente intelectuais anarquistas.

E não quero dizer, com isso, que eu não goste do expressionismo abstrato ou de todo esse caldo cultural que acabou sendo patrocinado.

Se não fosse a promoção desse tipo de arte, talvez não tivéssemos a Pennsylvania Academy of the Fine Arts nos anos 1960 e, por consequência, talvez não tivéssemos David Lynch.

Então é correto dizer que Pink Floyd, David Lynch e Jackson Pollock são, de alguma maneira, frutos indiretos da CIA? Sim. E daí?

Eles tinham consciência disso? Provavelmente não.

Roger Waters, por exemplo, realmente acredita ser algum tipo de dissidente até hoje. Eu não o julgo. Acho até bonitinho.

O ponto é não se iludir.

Existe uma importância enorme em não romantizar os próprios gostos e em não transformar automaticamente aquilo de que gostamos em algo maior, mais puro ou mais autêntico do que ele realmente é. Muitas vezes, existe ali simplesmente uma necessidade de pertencimento e de construção de identidade cultural.

E isso é importante, inclusive, para conseguirmos olhar para essas manifestações artísticas alternativas e enxergar verdades nelas. Mesmo que, às vezes, seja necessário concordar com a CIA.

O expressionismo abstrato é, de fato, uma boa resposta àquela iconografia tosca do realismo socialista (quem não gosta, está errado).

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gabrielvince87

Meus queridos amigos das subculturas urbanas que estão revoltados com o Madame Satã por conta das festas do Vorcaro.

Deixa eu contar uma coisa. Quanto mais cedo vocês souberem, melhor.

Boa parte do movimento underground que vocês romantizam foi largamente financiada pelo grande capital. Há provas documentadas disso.

Com leves ajustes de estética e discurso, são os mesmos valores que permeiam todos os lugares do Ocidente moderno: hedonismo, materialismo e busca por experiências-limite.

Não fiquem surpresos ao ver banqueiros e punks frequentando os mesmos lugares.

Ambos os polos vivem e aceitam o mundo moderno em sua integridade, sem nenhuma abertura ao transcendente, apesar da dissonância simbólica.

Quando vocês entenderem isso, saberão que a figura mais radical do mundo é, talvez, a de um monge cartuxo olhando para uma parede, dentro de um mosteiro.

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Set 13

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Meus queridos amigos das subculturas urbanas que estão revoltados com o Madame Satã por conta das festas do Vorcaro.

Deixa eu contar uma coisa. Quanto mais cedo vocês souberem, melhor.

Boa parte do movimento underground que vocês romantizam foi largamente financiada pelo grande capital. Há provas documentadas disso.

Com leves ajustes de estética e discurso, são os mesmos valores que permeiam todos os lugares do Ocidente moderno: hedonismo, materialismo e busca por experiências-limite.

Não fiquem surpresos ao ver banqueiros e punks frequentando os mesmos lugares.

Ambos os polos vivem e aceitam o mundo moderno em sua integridade, sem nenhuma abertura ao transcendente, apesar da dissonância simbólica.

Quando vocês entenderem isso, saberão que a figura mais radical do mundo é, talvez, a de um monge cartuxo olhando para uma parede, dentro de um mosteiro.

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gabrielvince87

Depois de assistir à série The Oldest View, de Kane Parsons, que se passa em um tenebroso não-lugar, um shopping fechado à la Marc Augé, veio-me à mente um dos “filmes B” que mais me impactaram: Chopping Mall.

Trata-se de um obscuro filme de terror no estilo slasher, com elementos de ficção científica, lançado em 1986.

A história se passa em um shopping center moderno que acaba de instalar um sistema de segurança de última geração. O sistema é composto por três robôs equipados com armas de choque e lasers, programados para identificar e capturar possíveis criminosos.

Depois do fechamento do shopping, um grupo de jovens funcionários decide permanecer escondido no local para fazer uma festa secreta. Durante a noite, porém, um raio atinge o prédio e provoca uma falha no sistema central.

Os robôs entram em modo de segurança, trancam todas as saídas e passam a identificar os jovens como criminosos, caçando-os pelos não-lugares de pátios e galerias comerciais.

Quando fui assistir ao filme, há uns dez anos, eu acho, esperava encontrar apenas algo divertido e descompromissado. E Chopping Mall entregou exatamente isso.

O que eu não esperava era que o filme fosse me oferecer, além disso, uma sátira bastante inteligente sobre consumismo, capitalismo e vigilância.

No fim das contas, Chopping Mall ficou marcado na minha memória como um excelente exemplo de filme cyberpunk que, inclusive, antecipa vários elementos que seriam explorados um ano depois em RoboCop, de Paul Verhoeven.

Em suma, por tudo o que o filme antecipa e pelo seu inteligente cinismo, acho que, mesmo não sendo amplamente conhecido, ele merece entrar na lista dos filmes criminosamente esnobados.

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Set 12

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Depois de assistir à série The Oldest View, de Kane Parsons, que se passa em um tenebroso não-lugar, um shopping fechado à la Marc Augé, veio-me à mente um dos “filmes B” que mais me impactaram: Chopping Mall.

Trata-se de um obscuro filme de terror no estilo slasher, com elementos de ficção científica, lançado em 1986.

A história se passa em um shopping center moderno que acaba de instalar um sistema de segurança de última geração. O sistema é composto por três robôs equipados com armas de choque e lasers, programados para identificar e capturar possíveis criminosos.

Depois do fechamento do shopping, um grupo de jovens funcionários decide permanecer escondido no local para fazer uma festa secreta. Durante a noite, porém, um raio atinge o prédio e provoca uma falha no sistema central.

Os robôs entram em modo de segurança, trancam todas as saídas e passam a identificar os jovens como criminosos, caçando-os pelos não-lugares de pátios e galerias comerciais.

Quando fui assistir ao filme, há uns dez anos, eu acho, esperava encontrar apenas algo divertido e descompromissado. E Chopping Mall entregou exatamente isso.

O que eu não esperava era que o filme fosse me oferecer, além disso, uma sátira bastante inteligente sobre consumismo, capitalismo e vigilância.

No fim das contas, Chopping Mall ficou marcado na minha memória como um excelente exemplo de filme cyberpunk que, inclusive, antecipa vários elementos que seriam explorados um ano depois em RoboCop, de Paul Verhoeven.

Em suma, por tudo o que o filme antecipa e pelo seu inteligente cinismo, acho que, mesmo não sendo amplamente conhecido, ele merece entrar na lista dos filmes criminosamente esnobados.

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gabrielvince87

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Set 10

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gabrielvince87

The Oldest View, websérie de terror analógico lançada em 2023 e criada por Kane Parsons, o menino de Backrooms, reúne algumas de suas melhores características como artista digital. Ele consegue produzir efeitos visuais extremamente convincentes e realistas, além de trabalhar muito bem a ansiedade, o estranhamento e a tensão produzidos pelos espaços liminares.

Seus cenários combinam distorções expressionistas com a estranheza natural dos não-lugares marc-augénianos, transformando ambientes familiares em espaços ameaçadores e absurdos.

O que eu gosto em Kane, e que o diferencia de outros produtores de conteúdo, é que ele não parece estar interessado em nos assustar o tempo todo. Ele é inteligente o suficiente para entender que o horror funciona melhor quando não existe uma tentativa deliberada de tornar tudo mais assustador a cada instante.

Embora, sim, tenha um bicho-papão te seguindo. Se Kane abrisse mão dos bichos-papões, ele seria ainda melhor. De qualquer forma, essa minha pequena implicância não o desabona como uma grande promessa.

Mais aqui:
https://tavernadolugarnenhum.substack.com/p/the-oldest-view-uma-catabase-ao-horror

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Set 10

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The Oldest View, websérie de terror analógico lançada em 2023 e criada por Kane Parsons, o menino de Backrooms, reúne algumas de suas melhores características como artista digital. Ele consegue produzir efeitos visuais extremamente convincentes e realistas, além de trabalhar muito bem a ansiedade, o estranhamento e a tensão produzidos pelos espaços liminares.

Seus cenários combinam distorções expressionistas com a estranheza natural dos não-lugares marc-augénianos, transformando ambientes familiares em espaços ameaçadores e absurdos.

O que eu gosto em Kane, e que o diferencia de outros produtores de conteúdo, é que ele não parece estar interessado em nos assustar o tempo todo. Ele é inteligente o suficiente para entender que o horror funciona melhor quando não existe uma tentativa deliberada de tornar tudo mais assustador a cada instante.

Embora, sim, tenha um bicho-papão te seguindo. Se Kane abrisse mão dos bichos-papões, ele seria ainda melhor. De qualquer forma, essa minha pequena implicância não o desabona como uma grande promessa.

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TAVERNA DO LUGAR NENHUM